Kino in der Reitschule
Der Ton im Film

In den Monaten Mai und Juni präsentiert das ‹Andere Kino›, ein Zusammenschluss der Berner Programmkinos, eine gemeinsame Filmreihe, die sich den formalen Aspekten des Filmes widmet. Jede Spielstätte präsentiert Filme zu einem bestimmten filmtechnischen Gebiet. So widmet sich die Cinématte dem Filmsoundtrack, das Kellerkino der Kamera- und Montagearbeit. Das Kino Kunstmuseum geht auf die Bedeutung von Production Design ein, das Kino in der Reitschule schenkt dem Filmton besondere Aufmerksamkeit, und das Lichtspiel stellt die unterschiedlichen Filmformate vom Stummfilm bis Cinémascope vor.

Wie sich die akustische Aufnahme von Informationen in der bewussten oder unbewussten Verarbeitung der optischen unterordnet, wird auch die Vertonung der bewegten Bilder kaum als eigenständige Kunst innerhalb der Siebten wahrgenommen oder gewürdigt. Dabei ist sie seit den Anfängen des Tonfilms, als die Tonaufnahmen des singenden Steptänzers inmitten des Ensembles von Tänzerinnen, und diejenige des Orchesters gleichzeitig mit dem Festhalten des Bildes durch die Kamera gemacht werden mussten, zu einer solchen gewachsen. Diese Entwicklung erwuchs aus der Erweiterung der technischen Hilfsmittel, die die Möglichkeiten der Post-Produktion vergrösserten, und wurde beschleunigt zuerst durch die Schaffung der Dolby-Technologie, später mit der Digitalisierung der Aufnahme- und Bearbeitungs-Verfahren. Die Palette an Mitteln, den Filmton zu einem herausragenden Teil der im kurzen Zyklus präsentierten Werke zu machen, reicht von der unablässigen Überflutung mit die Hyperaktivität des Protagonisten unterstreichenden Techno-Tracks («Pi»), über die weitgehende Synchronität von Bild und Ton, in welcher die Tonspur narrative Funktionen übernimmt («The Conversation»), die scheinbar willkürliche Zerstückelung und Collagierung von Bild und Ton, welche die akustische Wahrnehmung nahezu unabhängig von der optischen macht («Pierrot Le Fou»), hin zur völligen Abwesenheit eines musikalischen Soundtracks, welcher den kargen Bildern eine andere Stimmung als die Trostlosigkeit, die sie vermitteln, verleihen könnte («Le Temps Du Loup»). 

Donnerstag, 4. Mai, 20.30 Uhr
Freitag, 5. Mai , 20.30 uhr
Pi
USA 1997, 84 Min., E/d, DVD. Regie: Darren Aronofsky, Musik & Sounddesign: Clint Mansell, Mit: Sean Gullette, Mark Margolis, Pamela Hart
Der Mathematiker Max Cohen glaubt, dass die Welt aus sich wiederholenden Mustern besteht, welchen eine Formel in der Form einer Zahlenfolge zu Grunde liege. Mit dieser will er selbst Entwicklungen an der New Yorker Aktienbörse vorhersagen können. Diese Obsession, die ihn an den Rand des Wahnsinns bringt, die klaustrophobische Athmosphäre seiner kleinen Wohnung, die grösstenteils von einem Computersystem eingenommen wird, seine wiederkehrenden Migräneattacken, finden ihre Entsprechung auf der von Clint Mansell geschaffenen Tonspur, welche mit treibendem Drum'n'Bass und Trip Hop, in seine eigenen Kompositionen Tracks von Aphex Twin, Massive Attack, Orbital und anderen mischend, das Innere des rastlos Getriebenen reflektiert.

Donnerstag, 11. Mai, 20.30 Uhr
Freitag, 12. Mai, 20.30 uhr
The Conversation
USA 1974, 113 Min., E/d, 35 mm
Regie: F.F. Coppola, Sounddesign: Walter Murch, Music: David Shire, Mit: Gene Hackman, John Cazale, Frederic Forrest, Harrison Ford
Die Kamera zoomt auf ein Paar mitten in einer Menschenmenge, macht damit die Distanz zwischen Beobachtendem und Beobachteten deutlich. Gleichzeitig werden in den Sprachfetzen Teile des Gesprächs des Paars hörbar, und ein Schnitt auf Gene Hackman bringt den Mann ins Bild, welcher seine technischen Hilfsmittel einsetzt, die beiden zu belauschen. Die Geschichte, in die der Abhörspezialist Harry Caul gezogen wird, wurde gemäss Coppola durch Antonionis «Blow Up» inspiriert. Das Taumeln des Photographen zwischen Indizien und Illusionen ist verwandt der Figur des Einzelgängers und Jazzliebhabers, dessen Geschäft das Abhören von Gesprächen fremder Leute ist, das Eindringen in deren Privatsphäre. Walter Murch inszeniert die fast ausschliessliche Beschäftigung dieses Menschen mit dem Schall auf der genialen Tonspur, die durch weite dialogfreie Passagen des Films zum tragenden Element wird.

Donnerstag, 18. Mai, 20.30 Uhr
Freitag, 19. Mai, 20.30 uhr
Pierrot Le Fou
F 1965, 110 Min., F/d, 35 mm. Regie: Jean-Luc Godard, Soundmix: Antoine Bonfanti, René Levert, Musik: Antoine Duhamel, Mit: Jean-Paul Belmondo, Anna Karina, Lazlo Szabo, Samuel Fuller, Raymond Devos
An einer Party, inmitten von Leuten, die sich in Zitaten aus Werbetexten unterhalten, fragt Belmondo den amerikanischen Regisseur Samuel Fuller, was das eigentlich sei, Kino. Das sei wie ein Schlachtfeld, da gebe es Liebe, Hass, Action, Gewalt, und Tod, in einem Wort: Emotion. In der Folge verlässt Ferdinand/ Belmondo die Party, seine Familie, die Gesellschaft, Paris, lebt eine «amour fou», die mit dem Film in Südfrankreich, am Mittelmeer endet. In einem verrückten Reigen von formalen und inhaltlichen Einfällen durchbricht Godard Erzählstrukturen, jongliert mit Zitaten aus der Literatur- und Musikgeschichte, der Malerei, aus Comics, lässt Schauspieler direkt in die Kamera das Publikum ansprechen, collagiert den Sound in der Cut-Up-Methode. Ein Vorläufer von Filmen wie «Bonnie & Clyde», «Wild At Heart» und anderen, zählt der erste in Farbe gedrehte Film Godards nicht von ungefähr zu Tarantinos Lieblingsfilmen, der in «Kill Bill» zahlreiche Referenzen an den Meister gesetzt hat. Dabei spielt die locker auf einem Série Noir-Krimi basierende Story eine zweitrangige Rolle, die vorwiegend improvisierten, zum Teil auf dem Set geschriebenen Szenen stellen das Wie des Erzählens in den Vordergrund, geben das Rohmaterial ab für die aus dem Vollen schöpfende Montagearbeit. 

Donnerstag, 25. Mai, 20.30 Uhr 
Frritag, 26. Mai, 20.30 Uhr
Le Temps Du Loup
F/A/D 2003, 113 Min., F/d, 35 mm. Regie: Michael Haneke, Soundmix: Jean-Pierre Laforce, Guillaume Sciama, Mit: Isabelle Huppert, Béatrice Dalle, Patrice Chéreau
Für Haneke geht es auch in dieser post-apokalyptischen Vision um die soziale Eiszeit der Gegenwart. Die eher abstossenden Seiten ihres Wesens beleuchtend, zeigt er Menschen, aus ihrem Alltag gerissen, als Flüchtlinge in ihrer gewohnten Umgebung um ihr Überleben kämpfen. In einem verlassenen Bahnhof im Niemandsland eines französischen Landstrichs versammeln sich einige davon, mit der Hoffnung, dass ein Zug da halten wird, der sie mitnehmen wird. Die Abläufe in dieser Notgemeinschaft stellt Haneke in nüchternen Bildern dar, die ohne jeden musikalischen Soundtrack auskommen. Dass da keine Musik die Wirkung der zum Teil schockierenden, in kalten Farben gehaltenen Bilder abfedert macht erst deutlich, wie solche unsere Wahrnehmung eines Films, wie der Realität zu färben vermag

Während des Reitschul-Festes wiederholen wir die «Neuen Schweizer Filme», welche durch den «Kulturstreik» ‹gekürzt› wurden.

Im Rahmen des Mini-Festivals Kultfilme im Theater: 
eine Co-Produktion mit Tojo-Theater, Schlachthaus-Theater und dem Kino in der Reitschule

Donnerstag, 1. Juni, 21.00 Uhr 
Freitag, 2. Juni, 21.00 Uhr
Accatone
Pier Paolo Pasolini, Italien, 1961, 104 Min., 35mm, OV/df
Accattone ist ein bestürzendes Sozialdrama im Stil des italienischen Neorealismus und spielt im Subproletariat einer trostlosen Trabantenstadt von Rom. Die Filmtragödie wirkt nicht zuletzt deshalb authentisch, weil sie mit Laiendarstellern besetzt ist. Indem Pier Paolo Pasolini sich bewusst für die Untermalung seines Films mit Musik von Johann Sebastian Bach entschied, wollte er seinen Film auch als eine Art Passionsgeschichte verstanden wissen. Die Filmkritiker waren sich anfangs uneinig, doch inzwischen gilt Accattone längst als Klassiker.